山水画怎么分析，对随便一幅山水画从环境构成和 环境审美来解析这幅画
来源：整理 编辑：八论文 2023-01-27 19:44:43
1，对随便一幅山水画从环境构成和 环境审美来解析这幅画
前提，有山有水，要把握山与水构图比例，景深，色彩鲜艳、浓淡对比度，物体质感的刻画，笔调的运用等等。
2，求对一幅水墨山水画的评析
是呀，青绿山水画，尽管不是传统的黑白水墨画，但是也是用毛笔和中国画染料绘制而成的。横向尺幅很大，景物描绘多，变化挺丰富的。不错，这幅画深刻蕴含了作者当时那种无拘无束的心里以及想隐居山林的心~
3，对一幅山水画以构图和笔墨方面进行赏析800左右
【博宝艺术网讯】博宝艺术网评论员 闫勍 撰文 中国山水画是中国人情思中最为厚重的沉淀。游山玩水的大陆文化意识，以山为德、水为性的内在修为意识，咫尺天涯的视错觉意识，一直成为山水画演绎的中轴主线。从山水画中，我们可以集中体味中国画的意境、格调、气韵和色调。再没有那一个画科能向山水画那样给国人以更多的情感。若说与他人谈经辩道，山水画便是民族的底蕴、古典的底气、我的图像、人的性情。中国山水画较之西方的风景画，起码早了1000多年。它所呈相的图义，实际上是一部中国思想史。早在7000多年以前，先古的觉醒便以图案方式纪录下来。先古与自然一开始便用艺术的方式对活，逻辑的发现与艺术的鉴赏推演着人们的双眼，让一个天人合一的中国图式由混顿而至清晰。下图的山水画《山明水净》出自博宝网合作艺术家闫玉琛之手，艺术家逼真的描绘了高山绿水，绿树红花，整体塑造除了一种云烟缭绕的仙境般的世界。这一幅逼真的山水画，形象的表达了“山明水净”的情景，让人赞叹不已，值得鉴赏收藏！【博宝点评】每个艺术家都有属于自己的风格，这一种风格是不能被取代的，他们用自己尖锐的独特作风在艺术领域里独树一帜，付出众多的艰辛和努力，赢得人们的赞同和喜爱。博宝网合作艺术家闫玉琛，作为一名山水画的艺术家，他也以其独特的风格和构思，给人们留下了深刻的印象，赢得了人们的信赖和肯定。其创作的执着和坚守，是十分让人敬佩和崇敬的！
4，分析中国山水画的意境与品位
山水画境界 山水画：灵山静水香岸泊舟 隋唐伊始，中国山水画便有了独立的分科，自此山水、人物、花鸟，成为传统中国绘画熠熠生辉的三大艺术科目。而山水画不仅是世界艺术丛林中独特的风景，也承载着中国人文领域里最为深邃的寄托，伴随着中国艺术走过最为辉煌的历史时期。应该说，中国山水画得到大的发展，与“晋人向外发现了自然，向内发现了自己的深情(宗白华语)”有莫大的关系。文人终于找到了一种独特的道白语境，在用笔墨描摹自然山水之际，倾吐内心中无限的天地爱恋和优雅韵致。 北宋大画家郭熙把山水比喻为“春山淡冶如笑，夏山苍翠如滴，秋山明净如妆，冬山惨淡如睡”，这简直就是辛弃疾所写的“我看青山多妩媚，料青山见我应如是”。在与自然顾盼之间，艺术家拟人化了山川湖泊，艺术生命由此与山河大地融为一体。 南宋画家马远有一幅《苇岸泊舟》，意境深远，极富趣味。画的远处以非常简约的笔法，寥寥淡染几笔远山，勾勒出平远的景色，近处一叶孤舟，几片苇草，水岸在即，满目萧疏。一白衣人蜷缩在小舟之上，痴痴地凝望着远处的半壁山水。整幅只有上、下两段内容，全画无多着墨，大幅度地留白，给人以无限的遐想和空阔的寄望，衬托出当时作者委身江南偏安一隅的忿懑情绪以及对远方故园的深深的思恋。 被后世画家称之为“马一角”的马远，善于以小见大。他不用常规画法的全景式构图，而是采用一种主观式的截景方式，省略掉一切与主题无关的元素，这是一种多么智慧的选择!这种高超的裁剪式手法提炼自然，妙造自然，一切都是为了弘扬主旨，一切都成就了主题的衬托。心境跃然于尺幅之间，意趣流露在点画之外，巧妙地把诗情画意尽情地倾诉出来。 画中岸边芦苇，看似疏杂无致，实际上是画家内心的流露。荒野的此岸不是真正可以停靠的地方，画家所要寻找的那种充满香气的世界在远方，在彼岸，在山的那边，那世界光明无尘，万物澄澈，纵使世间遍寻不着，也要在心宇中营构这样一个理想空间。 这幅画中小舟仿佛成了主角，停泊在岸边不远处，如同乘舟者的容与不进的心情。纵观山水画史，小舟似是历代画家不可或缺的元素，几乎成为了灵山静水意境中的眼睛。小舟是自由的，可以顺流而下，可以逆流而上，可以随着水面起伏荡漾，也可以在光风霁月的秀色山水中居停。小舟是孤独的，就像人站在宇宙中间一样，渺茫得如同一粒微尘。小舟是高华的，是画家心灵的映衬与魂魄的返照。然而这小舟有时候又是入世的，像柳宗元写的“千山鸟飞绝，万径人踪灭。孤舟蓑笠翁，独钓寒江雪”，小舟上面载着渔翁，他们的用意不是钓鱼，而是像周朝的姜尚一样，得到知音的欣赏!文人不仅仅是具有出世的情怀，更多的是希望能够为壮丽河山和芸芸众生奉献自己的才华和心智，小舟是随时可以起航的，扬满风帆地完成历史赋予的责任担当。 中国山水画简称“山水”。以山川自然景观为主要描写对象的中国画。形成于魏晋南北朝时期，但尚未从人物画中完全分离。隋唐时始独立，五代、北宋时趋于成熟，成为中国画的重要画科。传统上按画法风格分为青绿山水、金碧山水、水墨山水、浅绛山水、小青绿山水、没骨山水等。
5，如何欣赏一副山水画
对于一般人来说,能否欣赏一幅绘画作品常常是能否“看懂”,他们的欣赏步骤是：画的是什么?画得像不像?画家画这种形象的寓意是什么?如果都回答出来了,便认为是看懂了,如果回答不出来,便认为是看不懂.这种方法就是一种传统的讲“故事”的方法,他们对于绘画作品的欣赏往往过多借助“文学性”的描述.那么,用这种方法来欣赏中国画,一般来说,工笔的、写实的作品就容易欣赏,因为它是具体、真实,看得懂. 但如果是粗放的.写意的作品,尤其是水墨写意的作品,就较难欣赏了,因为它不写实,形象不具体,就看不懂,而且更无从知道作者的寓意了.当然,一般人用这种方法欣赏绘画是完全可以理解的,因为画得像,看得明白,才容易引起联想、产生共呜.但是我们必须明白,一幅绘画作品的好坏,却不是以“像”或“不像”来衡量的. 就艺术而论,我们衡量一件绘画作品的好坏,或我们欣赏一件绘画作品,首先不在于它像或不像,而在于绘画作品的主题,或者说绘画作品中所辐射出的某种观念、某种思想、某种情绪,能否紧紧地抓住观赏者的心弦,能否给人以充分的艺术审美享受,并使人从中获得某种启迪和教育.应该说,这才是一切艺术作品的真正目的.像与不像仅仅只是作品一种达到目的的手段而不是目的本身.因此像与不像就不能作为衡量作品的好坏或欣赏作品的标准. 那么,画家们是怎样来看画的呢?就国画而言,内行人看画一般是看画面的整体气势,用美术术语来说就是先体味其“神韵”,或者“神似”,然后再看它的笔墨趣味,构图、着色、笔力等.最后才看它的造型,即像不像或“形似”.内行人的这种抓“神韵”的欣赏方法当然是抓住了实质,因为“神韵”就是一种高的艺术审美享受,常常是中国画家们的追求达到的目标. 当然,一般的人要从画中去体验到一种“神韵”却并不是一件容易的事,那不但需要一定的审美能力、艺术修养,也还需要具备一定的绘画方面的基本知识,特别是通过绘画而训练出来的一种“感觉”.所以要很好地欣赏绘画,还得具备多方面的才能和艺术修养. 但是,如果我们从以下几个方面去欣赏绘画作品也许更能理解一些.有人提出,艺术的欣赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段,那么从这样三个方面去欣赏绘画作品是很有道理的. 审美感知就是要求我们直观地去感知审美对象,即艺术作品本身,我们可以去感知作品上画的是什么?画得像或是不像,色彩是鲜明的或是灰暗的,线条是流畅的或是笨拙的,表现手法是工笔的或是写意的等等,总之要自己亲自地平心静气地进行直观的感受.第二步,在审美感知的基础上进行审美理解.即在直观感受的基础上,进行理解和思考,把握作品的意味、意义和内涵.这种理解包括对作品的艺术形式和艺术技巧的理解；对作品表现的内容和表达的主题的理解；以及对作品的时代背景和时代精神的理解等等,这就需要充分调动我们的思考能力. 我们可以一步一步地想下去：作品画的内容要表现什么?是怎样表现的?所采用的艺术手段是否恰当?能否充分地表达出主题?同时,透过作品的画面,猜测作者的心思,是热情地歌颂或是辛辣地讽刺；透过画面的气氛,体验画面的情调：是深沉或是豪放,是乐观或是悲伤.再还可以根据已有的知识结构,结合作者的身世、创作特点和所处的时代背景等进行分析. 到了这一步,艺术的审美欣赏并没有完结,还有一个审美创造阶段.就是通过审美的感知和审美的理解后,在对作品审美的基础上进行再创造,通过自己积累的审美经验、文化知识、主活阅历等进行丰富的联想、升发开去,再创造出一个新的意象来.这样,你才真正获得了启迪和教育,欣赏绘画才获得了真正的意义.朋友们不妨用这种方法去欣赏中国画（或其他绘画）,认真试一试,看能否有所收获.
6，山水欣赏要点
两个要点:手法与意境 中国山水画是中国人情思中最为厚重的沉淀。游山玩水的大陆文化意识，以山为德、水为性的内在修为意识，咫尺天涯的视错觉意识，一直成为山水画演绎的中轴主线。从山水画中，我们可以集中体味中国画的意境、格调、气韵和色调。再没有那一个画科能向山水画那样给国人以更多的情感。若说与他人谈经辩道，山水画便是民族的底蕴、古典的底气、我的图像、人的性情。 中国山水画较之西方风景画，起码早了1000年。它所呈相的图义，实际上是一部中国思想史。早在7000多年以前，先古的觉醒便以图案方式纪录下来。新石器的河姆渡文化，已用线刻表达着观念性文化的内涵，定居的农耕文明起源，不仅让人认知了工具美，亦让人于器之上认知了形上美。艺术不但是一种征服自然的想象，还是一种征服自然想象的象征。先古与自然一开始便用艺术的方式对活，逻辑的发现与艺术的鉴赏推演着人们的双眼，让一个天人合一的中国图式由混顿而至清晰。 自仰韶文化起，人与自然的关系便具有了象征性。在几何装饰的手法中，对称、运动等构成概念己明显地运用于时空的表现之中。特别让人感动的是《稷神祟拜图》。在以农立国的背景上，祭祀稷神一直成风。而这幅图中的禾、田、人的关系传达了先祖对生命意义的一种素朴理解。在沉淀了人与动物、植物的自然关系认知的基础上，社会意识又成为最为关键的文明起源。沧源文化的《村落图》，用岩画形式记述了人类对农耕定居的“家”的理解。这幅画最有视觉趣味的是以村落为中心的道路关联，以及押俘、赶畜、祭天、跳神等场面围绕正面中心的梯度延深，平面中的深度己在这幅画中得到有力的体现。人与自然的关系，人与社会的关系，就这样拌随着艺术的看，不断地深化与发展。 到了秦汉时期，描绘劳动生活的场面，由乡土而至皇权，殿堂宫室的壁画成为时代的主流。这种以宫室喻家室的认信取向，使中国美术摆脱了原始形态。统治阶级士大夫文化开始占主导地位。士者文化实现了与乡土文化的分离。对于山水画而言，这一分离是深刻的。若我们认真研究一下曲阜石刻的《庭院图》，就会被其视错觉创意震撼。这是两种视觉冲突的艺术：在满足正面的平视前题下，建筑物的平移重迭与倾斜重迭构成了矛盾的主要方面，两种不同透视法则所致生的力的碰撞，使画面具有了超现实的立体感。有趣的是，先贤的艺术家一开始便使用了纵横平移重迭、视线具有深度却不消失的重迭透视法则，而且在复合视域中能将正面与倾斜两种透视法则艺术的冲突起来。应该说这一法则较之当今的西方立体派早了近两千年。正如本书一再所讲的，祖先的聪慧绝非三言两语可以道白，只要我们认真地凭藉科学的双眼走入先贤的思想，我们一定会发现经学方式能告知我们的更多更多。 这种用视觉形式冲突所构成的艺术感动，在石刻画的《春雨图》、画像砖的《宅门图》、《收获戈射图》等等古远经典中可以得到更为丰富的体验。一个十分明显的指向是，随着人与自然、社会的认识关系的深入，人们看的方式也发生了变化，由观念为象、装饰为用、几何为图的原始图式，演化为意志为象、生活为用、境界为图的古典图式。这一看的历程，认信的积淀，山水画构成要素的萌芽集合，都为山水画的问世奠定了基础。 从个体生命的角度体验天地宇宙的永恒，体味人在此中的自由，是魏晋山水诗的开启。谢灵运的意义就是在文的自觉时注重形的依托，从哲学的本体论出发，追求玄远的神超理得。真正代表中国山水情怀的是陶潜。陶诗是超越玄言的哲学深刻，它没有放弃玄言诗的宇宙本体和生命本体的体悟，并通过某种特定的媒介去捕捉和体现这种体悟的本质和意义，把它们变成一种可触知的东西。一个有艺术的创意，就是将亲身体验到的无形结构找到形状。山水草木在陶诗中是真意深情，是体现中国精神的哲学，是超然事外，是平淡中和。 顾凯之《洛神赋图》局部 现今，用“确立”二字来正名山水画的众说是顾凯之的《洛神赋图》和《女史箴图》。在这类摹本的分析中，我们可以看到峰、石、云、水、树的复杂表现。这位“发前人所未发，开后人之师承”的艺术家，第一次将山水搬上了中国美术的表现舞台，他的《画云台山记》可算山水画论的开山之作。虽然文题中心是赵升舍命从师的故事，但其环境刻划部分却成为中国山水画的后来观照。 这一模板作用的确立，主要源于以下几点： a . 山有受光面、背影，水有倒影，祥云可成为东与西的重要观照，水天的“空青”可托出有太阳的天气。 b . 按照东西的顺序排置远近山峰，营造一个高峻险绝的境地。 c . 中段布局主要讲求取势的“对峙”，具有相对意义。 d . 东、西、中三段山要用“紧凑性”将长卷关联起来。在山的三分之一以上部位，做清气使之分为两重。 顾氏的理论之所以重要，在于他提出了行云流水的线性形状，鸟瞰呼应的重迭形式，三段山、三分位的空间模式。 被称为中国第一篇山水画论的是宋宗炳的《山水画序》。宗氏提出了著名的透视法则：“竖画三寸，当千刃之高；横墨数尺，体百里之远”。与宗氏同代的王微，亦是纵情丘壑的人物，他在《叙画》中提出了“望秋云，神飞场；临春风，思浩荡”的怡情说，和“一管之笔，拟太虚之体；以判躯之状，尽寸眸之明”的尺幅千里说。可以讲，至魏晋以降，中国山水画的远取其势、近取其质的核心认信已确立了逻辑起点，而空间视觉原则也得以逻辑的深化。
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