戏曲导演怎么编排，谝导是学什么

1，谝导是学什么

编导有广义和狭义之分，狭义上的编导指的是广播电视编导专业及其他同类专业如戏剧影视文学、导演专业等等专业及其从业者。广义上的编导指的是在影视传媒类行业中掌握视听语言等专业技术对其本职工作进行创作和编排的人。

你说呢...

谝导是学什么

2，中国戏曲形成了以什么为中心的戏剧形式

中国戏曲形成了以“唱、念、做、打的综合表演”为中心的戏剧形式。

中国戏剧是以演员为中心的，演员是整个舞台的灵魂和主导，一切戏剧因素都必须围绕演员这个中心。这个跟电影有些区别，电影是以实现导演的某种思想为主要目的的，一切戏剧因素包括演员的表演都必须服从导演的安排，导演是整个作品的核心。但传统的中国戏剧在发展的过程中就没有形成导演这个行业，目前的很多剧种的编排过程中虽然也出现了所谓的导演，但这主要是受西方模式的影响。但即便如此，在中国传统戏剧中演员依然处在核心地位。中国戏剧的特点使得它必须以演员为中心，比如说唱腔、流派、程式等等，这些不是有剧本有导演就能够实现的，而是必须通过演员的表演才能实现

中国戏曲形成了以什么为中心的戏剧形式

3，学习戏剧影视文学的编导方向需要什么素养

戏剧影视文学专业主要是培养编剧，如：霍昕，她就是中戏戏剧文学专业毕业的。是《将爱情进行到底》，《洗澡》，《爱情麻辣烫》，《向日葵》、《功夫》的编剧。这个专业考试时候主要是考文艺知识，主要内容是《辞海--文艺分册》。还考写作能力：命题散文、命题剧本，看电影戏剧写影评等等。一般没有面试。广播电视编导专业毕业后的方向是从事影视编导。导演，楼主一定知道很多了，张艺谋、陈凯歌、冯小刚等等。考试会有面试，考察文艺知识，表演能力，组织调动能力，让考生现场编排节目等等。这两个专业都属于艺术类，都会提前报名，专业考试通过后，参加统一高考。高考要过分数线，但专业考试的成绩更重要。

专业上主要是要多看书，各种类型的读物，丰富知识面，侧重小说、剧本类。多看电影、电视剧，可以选择一些获奖影片观看，观片量要大。多去想考，这个不多说。多写，自己尝试去创作。

戏剧影视文学有编导方向么？两个好像不是一种的~编导是编导，戏文是戏文~文笔要好~生活感悟要有~编导那边就是对电影电视的见解和一些其他的专业知识咯~只要热爱就能学好~

综合素质培养

学习戏剧影视文学的编导方向需要什么素养

4，我怎样去留住我唯一的友情

真心欣赏：所有人都希望得到别人的尊重和认可，但恭维话会让他觉得你虚伪，是出于功利的目的。你应该真心欣赏他，善于发现他的独特优点，他会马上把你引为知己。发现他的闪光点，不但要发现还要传达出。有些人能发现，但矜持不说。人与人之间需要互相鼓励，知己的夸奖对别人来说是很特殊的，很有激励性的。不要含蓄，害羞，夸奖是对一个朋友善意的支持。虚心求教：向戏剧导演学习编排话剧，向陶瓷专家学习设计，你能够学到很多东西，但他们能有什么收益？因为他们具有分享的美德，当然也能小小满足一下虚荣心。足够的理解力：优秀的人讨厌跟笨人打交道。不用担心，只要你有智慧，他就会发现你值得他欣赏的地方。直觉，知识结构，工作上的资讯，与他分享，对他有启发。总之，你要有有价值的东西与他分享。虚心倾听，做一个好听众。另外，理解力还表现在分寸感上，不顾作姿态也不强求，努力到了，然后就随缘。保持魅力：说该说的话，保持一定距离，适当透露一些隐私，让对方体会到你的真诚和他的与众不同。

用心去留住你们之间的友谊o(∩_∩)o...

把握距离强摘的瓜不甜，万事随缘。

5，为什么戏曲演员又叫梨园弟子

唐朝时，唐玄宗曾挑选300名乐师，在皇宫的梨园里亲自教他们演奏《法曲》。因为乐师所住的地方叫做梨园，唐玄宗称他们为“梨园弟子”。后来渐渐地演变成把戏曲演员统称为“梨园弟子”了。园，原是唐代都城长安的一个地名，因唐代玄宗李隆基在此地教演艺人，后来就与戏曲艺术联系在一起，成为艺术组织和艺人的代名词。“梨园”的来历在清乾隆时的进士孙星衍与嘉庆九年（1804年）所撰写的《吴郡老郎庙之记》中载；“……余往来京师，见有老郎庙（指玄宗）之神。相传唐玄宗时，庚令公之子名光者，雅善（霓裳羽衣舞），赐姓李氏，恩养宫中教其子弟。光性嗜梨，故遍值梨树，因名曰梨园。后代奉以为乐之祖师。……”现代人李尤白撰写的《梨园考论》中，考证了梨园的来历。唐中宗（705－710年）时，梨园只不过是皇家禁苑中与枣园、桑园、桃园、樱桃园并存的一个果木园。果木园中设有离宫别殿、酒亭球场等，是供帝后、皇戚、贵臣宴饮游乐的场所。后来经唐玄宗李隆基的大力倡导，梨园的性质起了变化，有一个单纯的果木园圃，逐渐成为唐代的一座“梨园子弟”演习歌舞戏曲的梨园，成为我国历史上，第一座集音乐、舞蹈、戏曲的综合性“艺术学院”。李隆基自己担任了梨园的崔公（或称崖公），相当于现在的校长（或院长）。崔公以下有编辑和乐营将（又称魁伶）两套人马。李隆基为梨园搞过创作，还经常指令当时的翰林学士或有名的文人编撰节目，如诗人贺知章、李白等都曾为梨园编写过上演的节目。李隆基、雷海青、公孙大娘等人都担任过乐营将的职务。他们不仅是才艺极高的著名艺人，又是诲人不倦的导师。诗人杜甫在他的《观公孙大娘弟子舞剑器行》一诗中，咏叹公孙大娘的舞姿豪迈奔放，“如羿社九日落，矫如群帝骖龙翔；来如雷霆收震怒，罢如江海凝青光。”并在这首诗的序言中说过，有一位书法家名张旭，自从看了公孙大娘的剑器舞，他的草书有了很大的长进。唐玄宗李隆基依靠这些杰出的创作人员和导演，造就了一大批表演艺术家。唐玄宗时期（712－756年），也就是所谓的“开元盛世”封建经济和文化的发展，达到了前所未有的高度。不仅造就了一批中外闻名的文学家和诗人，在舞蹈和音乐等艺术领域里也取得了杰出的成就。在中国戏曲史上占有重要地位的“梨园”，就产生在唐代这块沃土之中。梨园子弟分为坐部、立部、小部和男部、女部。坐部一般是优秀演员，乐工坐在堂上演奏，舞者大抵为3至12人，舞姿文雅，用丝竹细乐伴奏；立部是一般演员，乐工立在堂下演奏，舞者60人至80人不等，舞姿雄壮威武，伴奏的乐器有鼓和锣（即金钲）等，音量宏大；小部为儿童演出队。此外，还设有舞部，他又分为文舞和健舞。像这样庞大的编剧，男女兼有的皇家音乐、舞蹈、戏曲学院，出现在一千多年前，不能不说是世界罕见的。

6，编排小品的不会来请教下

我说一下吧，因为我也不是专业的，不过编剧过、导演过、演出过几个小品，说的不对还请斧正。1、一定要明白你是演给谁看的。也就是演出对象，把观众心理把握好，就成功一半了。这一点说的就是编剧问题，如果没有条件自己创作，可以根据你们的故事编一下，也比从网上找个跟观众没有共鸣的小品演出效果好的多。2、剧本选好了，就要选好演员。演员很重要的，好剧本可以包装演员，好演员也能包装剧本。有的人天生就不是演员的料，缺乏在舞台上的创造性，死板。3、剧本、演员都有了，那就开始二度创作吧。边排练，边修改剧本，这里的修改就是演员对本子的理解和把握的问题了。记住一点，理解故事大概，要让演员发挥，不能一板一眼，那样出来的效果是没有效果的。尊重演员、鼓励演员，让演员形成团结、和谐的氛围，这点很重要。4、排练得差不多，就多找人看看。算是试演出吧，多让大家提提意见。如果演的是喜剧小品，要注意观察观众的表现，如果你设计了笑料，可是观众没笑，就要找出原因、或者删掉这个笑料。5、关于舞台的道具。不放一个没有用的道具在舞台上，这是标准。我记得有位导演曾经说过这样一句话：“如果你在舞台上放了把枪，演出结束前一这定要把这枪打响，否则就别放。”随口乱说，不知道对你有没有帮助。记住一点：上了舞台你是老大，想说啥、演员，你作主。

小品特点：　　1、短小精悍，情节简单。这是小品与其它艺术作品和艺术表现形式最基本的区别。小品属于“文化快餐”，它是一碟精美的“小菜”，而不是什么火锅大烩菜。　　2、幽默风趣，滑稽可笑。小品是“笑”的艺术。好的小品大多有足够的笑料，让人在笑声中受到启发，得到教益。　　3、雅俗共赏，题材广泛。小品反映的小题材、小事件源于基层和老百姓中间。人世冷暖、世相百态都是小品描写的对象，都可以通过小品这种形式在艺术上得到升华，在舞台上进行演出。　　4、贴近生活，角度新颖，语言精练，感染力强，这是小品创作的基本要求。只有贴近生活的作品，群众才喜闻乐见，才易于接受。源于生活，高于生活，适度夸张，事例典型，这是成功小品的要领。　　5、针砭时弊，内含哲理。透过表面现象，讽刺一些不合理的事物，揭示一定的哲理，寓教于乐。这既是小品的本意也是人民群众对它的进一步要求。　　小品创作：　　1、深入生活，贴近生活，体验生活，从生活中找灵感。要用艺术的眼光去发现题材，挖掘题材。　　2、题材宜小不宜大，要“大题小做”，不要“小题大做”。　　切忌包罗万象，搞“高大全”，一个小品最好只反映一件事物，或者只反映一件事物的一个侧面。内涵丰富，说理充分的题材，是电视系列片或长篇小说的事，不要混为一谈。　　3、要有笑料和“包袱”，语言要生动、幽默、诙谐，不要扳着面孔说话。小品最宝贵的，是语言的生动有趣、妙语连珠。要巧妙地运用各种修辞手法，切忌平铺直叙。　　4、不要把小品写成相声或小戏剧，要突出小品的特点。有些小品作者用心良苦，立意也不错，总想把小品写的很有思想性，对人有教育意义。但表演效果适得其反，就是因为他们没有把戏剧和小品真正区别开来。　　我个人认为，抓住剧本中人物的特点，从人物特点中找到“包袱”并放大。　　希望能帮到你。

把握整体的创作思路，之后注意细节部分的配合，特别注意人物节奏，最好三到五人，之内，多了就是话剧了。先被一遍台词，之后走几遍场子，再对对词，应该没问题了。一定要注意节奏！

把握整体的创作思路，之后注意细节部分的配合，特别注意人物节奏，最好三到五人，之内，多了就是话剧了。先被一遍台词，之后走几遍场子，再对对词，应该没问题了。一定要注意节奏！再看看别人怎么说的。

7，剧本如何编写

第一，编剧把提供导演拍摄作为自己的唯一责任和目的，不准备将其成为一种文字读物，多采用对动作和画面直接白描，不追求文采。第二，以场景（有时甚至细致到镜头）来划分文字的自然段落，在每段之首专用一行文字标明场号或镜号，场面发生的时间、地点等等。第三，明确从技术上规定拍摄的方法（比如注明特写、推、淡出之类），甚至详细的对摄制组其他成员（导、演、摄、美、录、服、化、道）也做出许多较为具体的指示。格式可以如下：第一场地点日或夜内或外 a：（台词） b：（台词）

首先明确一点，剧本区别于任何一种文体形式，我经常看到有的朋友把剧本写成了小说或人物传记，这是不对的，至少是不专业的。剧本有自己专署的格式，写剧本从某种程度上说是个技术活。写剧本也不是什么很崇高的艺术创作，这只是一个普通的工种，剧作家和清洁工人没什么区别，都是很普通的工作而已，所以每个人都可以写剧本，每个人都可以当导演。当然，既然是一个工种，就有自己的规范。这些规范也许不会让你迅速变成一个专家，但至少能使你看上去像一个专家。或者，不至于让你糟糕的格式成为审稿人枪毙你稿子的理由。因为一个审稿人每天要看三到四篇稿子，如果你的剧本格式看上去不怎么专业的话，他完全有理由翻上几页就把你的剧本扔在角落里凉快。

电视剧剧本的写作步骤：故事梗概——分集提纲——剧情细化到每个场景——人物对话（动作、表情、心理活动、人物之间的关系等提示）文学剧本（偏重于镜头的剧本）的写作格式：第一，编剧把提供导演拍摄作为自己的唯一责任和目的，不准备将其成为一种文字读物，多采用对动作和画面直接白描，不追求文采。第二，以场景（有时甚至细致到镜头）来划分文字的自然段落，在每段之首专用一行文字标明场号或镜号，场面发生的时间、地点等等。第三，明确从技术上规定拍摄的方法（比如注明特写、推、淡出之类），甚至详细的对摄制组其他成员（导、演、摄、美、录、服、化、道）也做出许多较为具体的指示。格式可以如下：第一场地点日或夜内或外 A：（台词） B：（台词）广播剧剧本音乐音效：[时间地点]比如是在马路上还是房间里，白天还是晚上，不同的时间地点需要配不同的音乐和音效。[动作]如果这个动作对CV配音和后期有所帮助，那么最好写上。比如喝茶，跑步，拔剑……CV配音：人物名字（表情）：说话内容（心理活动）例如：《雪姬》凌澈(微笑)：知道啊，我就是为了你而来的，你是这玉龙雪山的仙女。雪姬：仙女？(我微笑，然后才发现自己已经很久没有笑过。) 你听谁说我是仙女？(我心动。心动瞬间，便决定下了。我要留住他。)其实，音乐音效是要后期去找资源的，后期拥有庞大的音乐音效库，他来选音乐要比编剧好些，但是如果你已经有选定的音乐就加个中括号注明一下（包括对音乐音效的各种要求）。不过我想应该由后期选音乐比较好，不然可能出现各部分音效不协调的情况。

首先要写清楚剧本的标题，人物（包括人物的姓名，职业，性格特点以及与其他人物之间的关系），时间，以及舞台上所需要展现出的舞美效果。也就是给观众所呈现出的舞台布置结构。其次每个人所说的台词要另起一行，而且要用括号标出这个人物在说台词的时候有什么动作，或者有什么心理描写。必要的时候可以写出其他人的反应。以及人物的舞台走位。第三，在台词中间，要用括号表达出此时此刻人物的位置，动作，以及舞台结构的变化，有什么人进来了，带走了什么东西，这些都要写清楚。第四，涉及剧本的创作。如果该剧本只涉及到一天的时间变化，而且剧情与剧本模式要求不能跨越天数，那么就一定要把剧情规定到同一时间内，而不能任意跨越时间段限。而且要创作出来的语言和动作都是舞台上能够表现出来给观众看的，要具备合理性。而不是随着自己的想法去写，而忽略了演员的表演感受。还有就是舞台上机会大规模的吃吃喝喝，这样会使得观众失去了观赏的情趣。还有要注意戏剧的审美旨趣，注意艺术来源于生活而高于生活。要注意戏剧性。

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